En mi texto de abril, «La insoportable ligereza de las imágenes» que se centró en las imágenes, mencionó el hecho de que Bernini, en el clima de una fuerte represión que fue desencadenada por la contrainterrupción, logró esculpir a su famoso Saint Teresa éxtasis. Ahora, sin dudar de un segundo del hecho de que muchos lectores y lectores habrán tenido hambre de información sobre este período histórico, parece apropiado, si no es necesario, reanudar este discurso para profundizarlo más. En nuestro tiempo como incierto, como en Bernini, afortunadamente todavía hay cosas cuyas características se pueden descubrir gracias a los libros, sin tener que soportar la picazón debido a la angustia curiosidad que produce.
Por lo tanto, si recordamos que Bernini nació en Nápoles el 7 de diciembre de 1598 y murió en Roma el 28 de noviembre de 1680, entonces podemos afirmar sin problema que el artista casi vivió el italiano del siglo XVII. Desde un punto de vista socioeconómico, este fue un período marcado por una profunda crisis, que disparó las condiciones de pobreza no solo en la península en cursiva, sino en todo el continente europeo. Esto se debió a muchos factores, incluido el estancamiento de la expansión colonialista al continente estadounidense de las potencias occidentales, la hambruna diseminada por un ciclo de malas cosechas, varias olas de infecciones y muertes debido a la peste y también las muchas guerras que ocurrieron debido a la confrontación entre católicos y protestantes.
Este contexto tormentoso se reveló muy fértil para la cultura proliferante, ya que este período corresponde apenas Para la Edad de Oro española, cuyos autores se alimentaban mucho en un nuevo estilo artístico que se había implementado en Italia en esos años, a saber, el barroco. Esta nueva concepción artística prosperó en Roma, gracias a una postura política específica de la Santa Sede, que, después del Concilio de Trent, decidió impulsar fuertemente la producción artística como una herramienta de propaganda para la diseminación de las doctrinas de la contra -reforma. Esta decisión resultó en una notable producción artística, que ha dejado una marca profunda en la historia del arte, como cualquier turista puede ver dar un paseo por las calles del centro de Roma, cuyas arquitecturas, iglesias y monumentos continúan demostrando los resultados de este período feliz, a medida que atestigua Fontana di Trevi atestigua. Imagine que la demanda de obras era tan grande que muchos artistas, incluso aquellos que no fueron conmovidos por una fuerte pasión religiosa, convergieron en Roma para tratar de obtener alguna comisión del Vaticano. Probablemente, a pesar de la pésima final que tuvo su estadía y la compleja relación que el autor estableció varios miembros del clero, Caravaggio ha sido uno de los ejemplos más felices de los resultados que produjeron esta nueva posición artística de la iglesia.
Desde el punto de vista artístico, yendo a la definición clásica y sorprendente que Wölfflin da en su trabajo Principios de la historia del arteEl estilo barroco se define por el contraste con su predecesor, el Renacimiento. En particular, mientras que este último privilegió el estilo lineal y plano, el primero prefirió el pictórico y la profundidad; Y donde el renacimiento apuesto en la forma cerrada, la claridad absoluta y la pluralidad, el barroco respondió con formas abiertas, falta de claridad y unidad. En otras palabras, el barroco renunciaría al ideal de proporción y armonía que el Renacimiento había rescatado de la antigua cultura griega para expresar un tipo de arte de acuerdo con las complejidades que la modernidad estaba criando a los individuos. Este contraste incluso se extendió hasta el punto de acuñar el concepto del barroco para indicar cualquier estilo artístico que se oponga al clasicismo y que, en muchas lecturas posteriores, como podría ser Benedetto Croce, se convirtió en un significado despectivo, como un símbolo de una actitud decadente.
Sin pretender extender demasiado en temas técnicos en la historia del arte, estoy interesado en resaltar el hecho de que probablemente era necesario pinturas renacentistas, y luego se necesitaban nuevas imágenes con las que era más simple de identificarlo. Por lo tanto, las sonrisas tranquilas y casi apáticas de la Venus de Botticelli y el Raffeello Fornarina fueron reemplazadas gradualmente por la cara extática de la Sagrada Teresa de Bernini o por las caras expresivas que distinguen las pinturas de Velázquez, porque no se consideraba admisible para excluir los sentimientos de las representaciones artísticas, ya que eran un complejo de complejidad de fondamental de la complejidad de los complejidades de la complejidad de la complejidad de los complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de la complejidad de los complejidades de la complejidad de la complejidad.
En este levantamiento cultural y, en consecuencia, estético, Bernini desempeñó un papel especial, convirtiéndose en el artista más apreciado por la Iglesia Romana, y se consideró algo así como un «dictador artístico» de la época. Durante siglos se ha creído que Bernini pudo adquirir este estatus, acoplando su producción artística con los gustos de sus clientes religiosos. En otras palabras, la idea de que Bernini ha sido el talentoso megáfono de la propaganda religiosa que la Iglesia quería imponer en el clima de la contra -reforma. Sin embargo, gracias a La libertad de Bernini (Libertà di Bernini), Un ensayo exhaustivo del historiador del arte Tomaso Montanari, sabemos que, en realidad, la carrera artística de Bernini no puede interpretarse simplemente como la larga presentación de un artista excepcional a favor del poder y en expensas de la libertad creativa en sí, pero que uno puede leer como la búsqueda constante de un compromiso que un artista tuvo que encontrar con el poder para que su arte fuera y no tuviera muchas interferencias por los comentarios. Por lo tanto, Bernini pudo disfrutar de un margen de libertad al elegir qué y cómo crear nuevas obras de arte religiosas y gracias a esto, no tener que soportar la constante censura que sufrieron varios de sus colegas, podría influir contemporáneamente en el gusto de los mismos clientes y la gente en general, que con estas nuevas obras se puso en contacto una vez que se hicieron públicas. Por lo tanto, mientras Caravaggio tuvo que escapar de la Ciudad Santa debido a su estilo de vida y sus posiciones estéticas, y Giordano Bruno murió quemado el 17 de febrero de 1600 en el campo de ‘Fiori por haber defendido las doctrinas que la Inquisición consideró herética, Bernini podría crear y prosperar durante toda su larga vida.
Ahora, quería mencionar el ejemplo de Bernini, porque me parece que, además de proporcionarnos algunas anécdotas sobre el siglo XVII, todavía tiene algo que decir también en relación con los días que corren. De hecho, si volvemos a la descripción de la era de Bernini, no es particularmente difícil Miríada de los lados, políticos, culturales y religiosos, quienes no tienen interés en el diálogo entre ellos.
Bueno, como hemos dicho, en un contexto similar, Bernini sabía cómo hacer malabares entre todas las dificultades y podría crear algunas de las obras artísticas más representativas de la historia occidental. Dejando de lado el lugar usado que la creatividad prospere mejor en situaciones de conflicto, que huele a la romantización de la violencia y no explicaría movimientos artísticos como, por ejemplo, el impresionismo francés, que se desarrolló en su totalidad. Belle époqueLo cual es un momento histórico que debe su apodo al hecho de que se recuerda como el período más largo de paz y prosperidad que Europa tenía en su historia; También puede resaltar la importancia que el arte cubre en tiempos de crisis, tanto desde la perspectiva de los artistas como, sobre todo, desde la perspectiva de los espectadores.
En este tónico, quién sabe cuántas personas habrán sido autodenustadas en algunas de estas caras de sufrimiento que podrían comenzar a admirar en este período en lugar de las tranquilas expresiones del Renacimiento, y, mirándolas, han encontrado al menos un momento de comodidad después de haber pasado un largo día soportando hambre o pensando en esta forma, también podrían sentirse un poco más cerca de lo divino que parecía haber abandonadolos.
Del mismo modo, quién sabe si Bernini se dio cuenta de que, en el momento de luchar por su libertad, estaba contribuyendo efectivamente a la doctrina cristiana para difundir lo más posible, ya que sus cánones estéticos permitían a las personas apreciar más sus obras, a expensas que logré despertar los corazones. Probablemente, nunca lo sabremos con certeza, pero es interesante, al menos considere el problema en estos términos para que, la próxima vez que tengamos que responder la pregunta clásica sobre la utilidad del arte, podemos considerar otra perspectiva alternativa al sacar la calculadora para estimar su rentabilidad en el mundo actual.
Finalmente, cerrar el discurso que inicié en abril, estas similitudes, además de renovar nuestro interés en Bernini, también podrían ayudarnos a repensar la importancia de las imágenes y, en consecuencia, del arte en general, en nuestras vidas, de modo que la mercancía de los consumidores se considere como salvavidas existenciales nuevamente.
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* Las imágenes son de la exposición: «Caravaggio-Bernini», Rijsmuseum, Amsterdam, 14 de febrero al 13 de septiembre. 2020, https://www.rijksmuseum.nl/whats-on/exhibitions/past/caravaggio-bernini
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